Kandinsky kotona: geometrista ja värikästä sisustusta

Wassily Kandinskylla on erityinen paikka modernin taiteen historiassa: hän oli mies, joka 1900-luvun taitteessa auttoi vapauttamaan maalaustaiteen sen kuvailevasta tehtävästä ja teki siitä itsenäisen muotojen ja värien kielen. Vuonna 1866 Moskovassa syntynyt ja vuonna 1944 Neuilly-sur-Seinessä kuollut taiteilija ilmentää siirtymää esittävästä taiteesta kohti harkittua, perusteltua ja syvästi henkistä abstraktiota. Hänen tuotantonsa ymmärtäminen tarkoittaa sellaisen polun seuraamista, jossa väri lakkaa kuvittamasta maailmaa ja muuttuu itsessään kokemukseksi. Tämä kehityskulku ansaitsee tulla jäljitetyksi tarkasti, sillä sen herättämät esteettiset kysymykset jatkavat nykytaiteen ravitsemista.

Myöhäisestä kutsumuksesta abstraktiin murrokseen

Mikään ei ennustanut Kandinskysta tulevan taidemaalaria. Hän opiskeli oikeustiedettä ja taloustiedettä Moskovan yliopistossa ja suunnitteli aluksi akateemista ja juridista uraa. Vasta kolmenkymmenen ikävuoden tienoilla hän päätti jättää kaiken omistautuakseen taiteelle ja muutti vuonna 1896 Müncheniin opiskellakseen maalaustaidetta. Tämä suhteellisen myöhäinen astuminen maalaamisen pariin selittää osittain hänen työnsä pohdiskelevan ulottuvuuden: Kandinsky ei ainoastaan maalannut, vaan hän teoretisoi, kyseenalaisti ja kirjoitti siitä, mitä teki.

Müncheninsä ensimmäisinä vuosina hän tutki kieltä, jota vielä leimasivat jälki-impressionismi ja symbolismi, ennen kuin hänen maisemansa vähitellen liukenivat yhä itsenäisemmiksi väriläiskiksi. Noin vuonna 1910 hän ylitti ratkaisevan kynnyksen tehdessään sommitelmia, joissa tunnistettava aihe väistyy puhtaasti kuvataiteellisten rytmien tieltä. Tämä kehitys ei ollut todellisuuden hylkäämistä vaan vakaumus: maalaus voi tavoittaa tunteen suoraan, ilman esineiden kuvaamista, samaan tapaan kuin musiikki vaikuttaa kuulijaan.

Väri henkisenä kielenä

Kandinskyn ajattelu saa kuuluisimman muotoilunsa hänen esseessään Henkisyydestä taiteessa, joka julkaistiin vuonna 1911. Siinä hän kehittelee ajatusta, että väreillä ja muodoilla on sisäinen resonanssi, joka kykenee vaikuttamaan katsojan sieluun kuin ääni korvaan. Keltainen liitetään siinä laajenevaan energiaan, sininen syvyyteen ja hiljentymiseen, kun taas sävyjen väliset suhteet synnyttävät jännitteitä, jotka ovat verrattavissa musiikin sointuihin. Tämä synesteettinen lähestymistapa, jota ruokkivat hänen kiinnostuksensa musiikkiin ja aikansa teosofioihin, jäsentää hänen koko työskentelyään.

Olisi kaventavaa nähdä tässä abstraktiossa pelkkää koristeellista leikkiä. Kandinsky tavoittelee sisäistä välttämättömyyttä, tarvetta ilmaista todellisuuksia, joita esittävä taide ei kykene välittämään. Hänen München-kautensa teoksensa sekoittavat muuten usein apokalyptisia teemoja yhä liudentuneempaan kuvakieleen: viittaukset viimeiseen tuomiopäivään tai suuriin raamatullisiin katastrofeihin pilkahtavat väri­kerrosten alta ja todistavat sekä levottomasta henkisyydestä että uskosta taiteen uudistavaan voimaan.

Tähän maalaustaiteen omien keinojen pohdintaan liittyy pedagoginen vaatimus. Kandinsky hioo lakkaamatta kuvataiteellisten elementtien analyysiaan pyrkien ymmärtämään, kuinka piste, viiva tai taso saa aikaan vaikutuksensa. Hän tekee teoriasta käytännöstä erottamattoman osatekijän, mikä erottaa hänet monista aikalaisista, jotka pitäytyivät pelkässä intuitiossa.

Sinisestä ratsastajasta Bauhausiin

Vuonna 1911 Kandinsky perustaa Münchenissä maalari Franz Marcin kanssa Der Blaue Reiter -ryhmän ja sen almanakan, ”Sininen ratsastaja”. Tämä liike kokoaa yhteen taiteilijoita, jotka halusivat ylittää kansalliset ja tieteenalojen väliset rajat yhdistäen maalaustaidetta, musiikkia ja teoreettista pohdintaa. Ensimmäinen maailmansota hajottaa ryhmän ja pakottaa Kandinskyn, Venäjän kansalaisen, lähtemään Saksasta. Hän palaa tuolloin Venäjälle, jossa hän osallistuu jonkin aikaa taiteellisen elämän uudelleenjärjestelyyn vallankumouksen jälkeen, ennen kuin palaa Saksaan 1920-luvun alussa.

Juuri Bauhausissa, taide- ja muotoilukoulussa, jossa hän opettaa vuodesta 1922 alkaen, hänen maalaustaiteensa kokee merkittävän suunnanmuutoksen. München-kauden orgaaninen kuvakieli väistyy tiukan geometrian tieltä: ympyrät, kolmiot, ruudukot ja viivakimput järjestyvät huolellisesti punnittujen tasapainojen mukaan. Teokset kuten vuoden 1923 Sommitelma VIII havainnollistavat tätä kypsyyttä, jossa alkuvuosien värienerginen voima kurinalaistuu tarkaksi arkkitehtuuriksi menettämättä mitään elinvoimastaan. Näinä vuosina hän myös syventää teoreettista pohdintaansa teoksessa Piste ja viiva tasossa, joka ilmestyi vuonna 1926.

Kansallissosialistisen hallinnon vuonna 1933 tekemä Bauhausin sulkeminen sai Kandinskyn muuttamaan Ranskaan, Neuilly-sur-Seineen, jossa hän viettää viimeiset vuotensa. Hänen maalaustaiteensa kehittyy siellä yhä edelleen ottaen vastaan biomorfisia muotoja ja pehmeämpiä värejä, hillityssä vuoropuhelussa ympäröivän surrealismin kanssa. Kuolemaansa asti vuonna 1944 hän pysyy uskollisena vakaumukselle, joka pysyi muuttumattomana: abstraktio ei ole maalaustaiteen köyhtymistä vaan sen täyttymys.

Teos, joka herää eloon omassa kodissa

Kandinskyn jälkimaine perustuu yhtä lailla hänen maalauksiinsa kuin hänen ajattelunsa pysyvään vaikutukseen seuraaviin sukupolviin. Hänen työnsä perusvärien tasapainon parissa, mestarillisesti tiivistettynä vuoden 1925 teoksessa Keltainen-Punainen-Sininen, tarjoaa selkeän esimerkin hänen taidostaan: kolme värinapaa elää siinä rinnakkain harmonisessa jännitteessä, keltaisen kirkkauden, sinisen tiheyden ja punaisen korostuksen välillä. Tällaiset sommitelmat säilyttävät graafisen voiman, joka tekee niistä erityisen läsnä olevia, kun ne asettuvat seinälle.

Sille, joka haluaa tuoda tämän maailman sisustukseensa, huolellisesti painettu Keltainen-Punainen-Sininen -reproduktio tuo värähtelevän ja jäsentyneen sävyn, ihanteellinen tilaan, jossa halutaan yhdistää väri ja kurinalaisuus. Sommitelma VIII, ympyröiden ja viivojen runsaudessaan, sopii paremmin suuriin kokoihin ja oleskelutiloihin, joissa katse mielellään kiertää. Kummassakin tapauksessa Kandinskyn muotoon kohdistuva vaatimus ilmenee teoksina, jotka käyvät vuoropuhelua arkkitehtuurin kanssa koskaan sitä murskaamatta.

Kandinskyn reproduktion valitseminen ei ole vain sisustamista: se on kärsivällisen tutkimuksen hedelmän ottamista kotiin, tutkimuksen siitä, mitä maalaus voi sanoa pelkin omin keinoin. München-kauden henkisten innoitusten – joissa pilkahtavat esiin sellaiset aiheet kuin Nenälaseilla – ja Bauhausin rakentavan selkeyden välissä hänen tuotantonsa tarjoaa tunteiden ja rytmien kirjon, jonka moderniteetti ei ole menettänyt mitään ajankohtaisuudestaan. Siinä on epäilemättä todella perustavanlaatuisten luojien tuntomerkki.

Tutustu kaikkiin Wassily Kandinskyn taulujen reproduktioihin.